Taylor Deupree: Fifteen Questions

Taylor Deupree About Collaboration, Friends, Story and Place.

Name: Taylor Deupree
Nationality: American
Occupation: Producer, sound artist, composer, mastering engineer, label founder at 12k
Current release:Skal_Ghost, Taylor Deupree’s collaboration with Arovane aka Uwe Zahn is out November 4th 2022 via 12k.

[Read our Arovane interview]

If you enjoyed this interview with Taylor Deupree and would like to know more, visit his official website or his accounts on Instagram, and twitter. He also has a dedicated website for his mastering services. 

To keep reading, we recommend our earlier Taylor Deupree interview, in which he expands on a wider range of topics. 

Over the course of his career, Taylor Deupree has collaborated with a wide range of artists, including Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Richard Chartier, Frank Bretschneider, Kenneth Kirschner.

For many artists, a solitary phase of creative development precedes collaborative work. What was this like for you: How would you describe your own development as an artist and the transition towards your first collaborations? 

It’s a bit hazy to map. 

My first music project ever was a duo with my best friend in high school when I was 15. We both got synthesizers and immediately started to record through keyboard amps across the room into a boombox. Through high school I worked with a couple of friends and it wasn’t until college years that I started to really work on solo material. 

I think these early years of partnerships and collaborations were important and the reason I cherish collaborations now.  

Tell me a bit about your current instruments and tools, please. In which way do they support creative exchange and collaborations with others? Are there obstacles and what are potential solutions towards making collaborations easier?   

For quite a few years now I’ve really shied away from software synths and processing. Having mostly a hardware-based setup means I can’t simply exchange DAW sessions with a collaborator but must record everything as audio first … which is totally fine, but it does dictate a certain workflow. 

With Uwe [Zahn, aka Arovane] we did initiate this project on the C15 synthesizer from NonLinear Labs. It’s a hardware synth, but we both own one and were able to easily exchange patches and load them into our respective machines. I find in general, though, everyone seems to have fairly idiosyncratic workflows, setups and gear so there really is no one-way to approach any project. 

I do really enjoy the mixing process though and with a nice analogue console in the studio I like to finish up the projects with a mix here.  

What were some of your earliest collaborations? How do you look back on them with hindsight?   

The aforementioned high school collaborations as as early as it gets and I really cherish those times and recordings. 

We have many, many recordings on cassette tapes, all very well organized and labeled by date. It is music that I don’t think anyone will ever hear and I want to keep it that way. Not that it’s terrible … of course, some is quite naive, but it is so intensely formative for me it doesn’t matter how “good” the material is … it was all about learning. 

Starting with two synthesizers and a boombox and moving and learning, piece by piece through 4-tracks, MIDI, sequencers, DAT machines … as the technology unfolded we followed along and learned it all by ourselves by reading magazines (pre-internet) and immersing ourselves in it. 

I am fairly amazed that for 35 years I have pretty literally spent every day of my life obsessing over music creation.   

Besides the aforementioned early collaborations, can you talk about one particular collaboration that was important for you? Why did it feel special to you? When, why and how did you start working on it, what were some of the motivations and ideas behind it?  

I think the collaboration I did with a few fellow 12k artists, the first Between album (with Simon Scott, Marcus Fischer, Corey Fuller and Tomoyoshi Date) is really the blueprint and perfect example of a collaboration for me. It has the three most important ingredients: friends, story and place. 

This was an impromptu recording session on a free day in Kyoto among five friends in a very old ryokan (an old japanese inn) full of character and history. I think we all vividly remember the day. Having left our equipment set up from the previous night’s concert we invited any audience members to come back and hang out while we recorded and we proceeded to make a very sensitive longform recording with all of us very carefully listening to each other. 

That night we brought the recording upstairs, set it in the middle of the room, laid on the tatami and listened to the results. We immediately knew we had somethig special. It was a time shared by friends, amidst a tour already filled with memories and will forever cement that day in our heads. 

All collaborations should strive for this, in my opinion.  

What are some of the things you learned from your collaborations over the years? 

Collaborations for me, at the core, are learning experiences. The chance to work with another artists who, naturally, will approach writing and creating differently from me. 

I especially love it when artists are in my studio using my own equipment in new ways that never occurred to me. The chance to break from our solo-artist habits and embrace new perspectives is very important.  

How do you feel your sense of identity influences your collaborations? Do you feel as though you are able to express yourself more fully in solo mode or, conversely, through the interaction with other musicians? Are you “gaining” or “sacrificing” something in a collaboration? 

I am extremely hard on myself when it comes to my music, very critical. As a result, I cannot ever listen to my own music because I will only hear the flaws. It takes maybe 2-5 years before I can listen to my own work after its release. This is the amount of time it takes me to forget the specifics of how I made it and to be able to engage with it more as a “listener.” 

However, with collaborations I don’t feel this way nearly as much because there is already another opinion in the room when its being created. Someone else to say “this is good” so it makes me feel more confident about the work.  

In terms of expressing myself I think solo works, by nature, are more personal and more reflective of my identity. Collaborations are supposed to be about sharing and creating a new identity. I always use the idea when working with someone of: 1 + 1 = 3. You want two people to come together and make something that’s not just a sum of their two parts, but something different entirely … if possible! 

It’s a goal, sometimes more successful than others.  

There are many potential models for collaboration, from live performances and jamming via producing in the same room together up to file sharing. Which of these do you prefer – and why?

Always prefer in the same room. It is the most personal, interactive and inspiring … And it’s a time to hang out, geek out and be with friends! 

Of course, this is not always possible, especially during the pandemic, so sometimes you have to do it by exchanging files. I’m working on a project now where we’re recording via software called Audiomovers while we meet over a zoom call between New York and Italy. It has worked out pretty well. Live performance is perhaps my least favorite just because I much prefer the control and precise sound of a studio environment. 

Uwe and I were unable to get together in person for this new album because of travel restrictions. But it is also wonderful that we do have the option to work with people remotely. If this is the only option then it is better than nothing! 

However, we vowed to make our next album together in person.  

Is there typically a planning phase for your collaborations? If so, what happens in this phase and how does it contribute to the results?   

Yes, I should say most collaborations start with a concept and planning. It’s important for focus. 

Sometimes the inspiration comes from a particular instrument or set of instruments, such as this work with Uwe and the C15 synthesizer, or sometimes there is a particular production technique that is the centerpiece. Marcus Fischer and I often work exclusively with tape loops, for example. Cameron Webb (Seaworthy) and I based our project (Wood, Winter, Hollow(12k)) on a hike in the woods.  

Of course, these are only guiding points and an initial place to jump off from. It’s always important to remain open and flexible because more often than not the processes change as you go, but as long as you can at least set up enough structure at first to not get lost in the sea of too many possibilities.  

What tend to be the best collaborations in your opinion – those with artists you have a lot in common with or those where you have more differences? What happens when another musician take you outside of your comfort zone?  

I think generally artists I have a lot of common with tend to produce smoother, or at least easier, collaborations. That being said, I really do love working with vocalists, such as I’ve done with S. Carey or various remixes. Because I am a terrible singer so it gives me an opportunity to work with this instrument that I don’t get a chance to work with on my own. 

But even in these cases the artists and I always have plenty in common. I think it would be quite difficult to work with someone you have a lot of differences with. Musical differences often equate to personality differences and it’s all about personality and how you get along and interact in the intimate and often stressful place of a recording studio!  

Some artists feel as though the creative process should not be a democratic one. What are your thoughts on the interaction with other musicians, the need for compromise and the decision making process?    

I’ve never had any issues with decision making or compromising. Both have happened and always for the sake of the album integrity. I’m not precious about any of my music or sounds or instrumentation. 

If it’s not working I’d hope my collaborator would speak up and tell me. There’s no point in harming an album for the sake of ego.  

What’s your take on cross-over collaborations between different genres?  

It can be difficult, but it’s so rewarding. I make a really specific kind of music so when I get a chance to work with a musician outside my circle, such as my work with S. Carey, it opens up a lot of freedom for me. I love to work with drums and vocals, instruments I don’t often (or ever) use in my own work. 

Of course, all parties of the collaboration have to be adventurous enough to work outside their comfort zone. Accept the strangeness of experimental music or the structure of pop music. But… exciting things can happen!  

In a live situation, decisions between creatives often work without words. How does this process work – and how does it change your performance compared to a solo performance?   

I much prefer collaborative live performance as I am not a big fan of performing live anyway … having someone else up there to do half the work takes a lot of stress off of me. 

Everyone I’ve played live with has been in a sufficiently similar headspace that the wordless communication feels natural. It is really all about listening and not getting in each other’s way. 

Probably the most difficult, but very successful, live collaborations I’ve done are those with the Japanese singer/songwriter Ichiko Aoba. She sings and plays acoustic guitar and has so much more inherent musical talent than I do. 

Because of the nature of my performance rigs, sound processing and such it is difficult for me to follow her playing musically. I cannot always specify or follow exact scales or chords that she is playing so when we have performed together it is often her following what I do because she has the advantage of being 100% control of every note with her voice or guitar … so she has the ability to follow along to my strange loops and things. 

We have performed together a number of times and it is always quite special because we come from fairly different musical genres.  

There are many descriptions of the ideal state of mind for being creative. What is it like for you as part of a collaboration? In which way is it different between your solo work and collaborations?

It’s easy for me to get in a state of mine to work collaboratively, especially in person, because the energy is there and we’re among friends, and the clock is often ticking! So you just do it … you get the work done. 

Working solo, for better or worse, has no time limits or deadlines. I can take 3 years to make a record. It’s also a bit more difficult to get in the headspace with solo work because I can be more easily distracted or set back by personal matters, family life, etc.  

Collaborating with one’s heroes can be a thrill or a cause for panic. Do you have any practical experience with this and what was it like? 

I can say working with someone like David Sylvian whose music guided me through my teenage years in the 80s has been thrilling and maybe at first a little bit of a panic. But I have spent time with David in a recording studio and even my own kitchen and and found the panic quickly went away as I realize we are both just artists trying to do the best we can. 

Same goes for someone like Sakamoto who is really such a gentle person and there was never any feeling that I was lesser or didn’t deserve to be in a room with him. I find we all look at each other as equals even if they have obviously had far greater successes than I have. Everyone has something interesting to bring to the table and I find I can even teach these veterans something new or at least have something exciting to offer them. 

There is really no end to learning or exploring in music. I find it completely limitless in the best way possible.

Sawako “Stella Epoca”

Sawako’s sound has always been fragile and amorphous. Watercolor paint sublimating and fading.

Arovane & Taylor Deupree “Skal_Ghost”

A new collaboration, haunting and textured.

Federico Durand – IndieHoy (2022)

Interview with Indie Hoy (Argentina)
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Federico Durand: “La música es la forma que tengo de hacer florecer algo”

Hablamos con el artista argentino sobre cómo usa la sencillez y la repetición para crear sus hipnóticas piezas de ambient.

Todas los días, Federico Durand sube las escaleras hacia al altillo de su casa y se sienta a hacer música. Las mesas están llenas de instrumentos, las paredes de dibujos, y desde la ventana se ven algunas plantas de su pequeño jardín en el pueblo de La Cumbre, al norte de Córdoba. Toda una vida parece transcurrir allá afuera, donde vive junto a su familia, pasa horas perdiéndose en las sierras forestales, cuidando su jardín y atendiendo la librería de su mujer. Arriba en el ático existe otra vida, un refugio musical, un universo de sonidos sutiles que hablan de ese mundo exterior, pero también señalan algo más allá.

Durante los últimos doce años, la música de Durand ha encontrado la forma de salir de su habitación y recorrer el mundo. Los más de quince discos que lleva publicado fueron editados por sellos discográficos japoneses, europeos y estadounidenses, y lo llevaron a dar numerosas giras por el exterior. Su firme trayectoria y su estilo inimitable lo han convertido en un referente dentro de la escena global de música ambient. Sin embargo, la música de Durand mantiene la intimidad de ese altillo en La Cumbre, una calidez susurrada de melodías al borde del silencio.

Parte de esa intimidad proviene del lugar que la música ocupaba en su vida desde antes de empezar a publicar discos. Oriundo de Muñiz, barrio de casas bajas y caras amables en el Conurbano bonaerense donde nació y vivió hasta hace siete años, sus primeros discos fueron cassettes o CD-Rs de entre diez copias que repartía a sus amigos íntimos y su madre. Así nació su forma de entender la música como una invitación a compartir un momento preciado con alguien, un regalo que solo se da a personas muy cercanas, un secreto.

“Esta cosa de hacer música constantemente la tengo desde chico -cuenta Durand en conversación con Indie Hoy-. En los noventa hacía collages con una grabadora de cassette, una portaestudio Tascam, y me di cuenta que esa era una forma de tocar”. Con los años fue coleccionando sintetizadores, pedales de efectos, instrumentos de juguete, cajitas de música, guitarras, liras; pero su sonido nunca se despegó del minimalismo, la repetición y las pequeños sonidos.

Sus primeras canciones subidas a MySpace atravesaron el mundo hasta llegar a los oídos de Nao Sugimoto, editor del sello Spekk en Tokio, quien le ofreció publicar su primer disco fuera de su círculo íntimo de amigos. Publicado en abril de 2010, el hoy clásico La siesta del ciprés contiene muchos de los sonidos que Durand venía explorando desde chico y que profundizaría a lo largo de su discografía, como las grabaciones de campo y la repetición.

“Siempre me atrajo la sencillez -agrega-. Es algo que no solo me conmueve sino que me da mucha paz. La repetición siempre me pareció un recurso estético fascinante. Me dan mucho placer las variaciones sutiles, sobre todo cuando los loops son asimétricos y aparecen combinaciones azarosas. Hay algo ahí que me parece muy ancestral. No sé cómo era la música en el paleolítico, pero seguramente había loops”.

La música de Durand produce esa sensación propia del género ambient de inducir a perderse en la espacialidad del sonido hasta habitarlo, incluso olvidándose por un momento de estar escuchando música. Hay emoción en sus canciones, pero más que nada hay calma, ese estado en la mente que se logra al meditar o mirar un paisaje profundo, cuando se despierta minutos antes del alba o se percibe la luz de la tarde entrar por la casa.

“Sucede algo con la repetición musical en un nivel físico y espiritual que te conecta con algo muy misterioso -afirma el artista-. Entredormido podés tener experiencias asombrosas escuchando música cuya estética recaiga en la repetición”. El tiempo parece volverse más lento, casi detenerse. Los sonidos aparecen y se esfuman con suavidad, algunos se estiran hasta convertirse en un silencio enriquecido.

En uno de sus primeros viajes a Europa, Durand conoció al músico japonés Tomoyoshi Date y juntos decidieron grabar un disco durante los momentos libres de la gira. Desde entonces, Durand comenzó a hacerse un tiempo en sus viajes para conocer músicos locales y juntarse a improvisar juntos. “Si escuchás detenidamente las colaboraciones, hay elementos de cada músico, pero no suena como a ninguno de los dos -dice sobre Melodía, el dúo que formó junto a Date-. Eso me interesa de tocar con alguien, es como charlar”.

Entre otras de sus colaboraciones se distingue el meditativo disco Magical Imaginary Child, grabado en 2014 junto a Chihei Hatakeyama, y el más reciente In the Open, grabado en 2017 junto a Date y el artista sonoro japonés Asuna durante un día libre de su gira en la ciudad antigua de Kanazawa. “Ese disco lo recuerdo con mucho cariño porque está embebido de amistad -admite Durand-. Estaba muy feliz de estar ahí, tocando con amigos, que encima son músicos excepcionales, en Japón, haciendo sight-seeing y grabando un disco. Era todo increíble“.

En paralelo a su discografía editada en sellos internacionales, Durand mantuvo el hábito de grabar pequeñas tiradas de cassettes que regala a modo de suvenirespara el público que se acerca a verlo tocar. “En vivo está siempre el frenesí de querer llenar un vacío -agrega sobre su experiencia tocando para otras personas-. La primera nota es fundamental, es como el primer paso que marca cómo va a continuar: podés ir hacia la izquierda, hacia la derecha, hacia atrás o hacia adelante. Un amigo una vez me dijo que esa primera nota es sagrada. Antes de tocarla no hay nada, después está todo. Es mágico eso. Disfruto mucho de tocar y me produce mucho vértigo también”.

Al igual que le sucedió al resto del mundo, el privilegio de viajar y tocar en vivo se pausó hace dos años para Durand. Aislado de vuelta en su altillo en La Cumbre, el artista posó la mirada en su entorno más cercano y encontró inspiración en la flora de su propio jardín. Herbario, su disco publicado en junio de 2021, es un catálogo musical de sus plantas favoritas, a las que le dedica quebradizas melodías de sintetizador y frecuencias hipnóticas. Como un ejercicio de alquimia botánica, Durand destila la esencia sonora de hierbas como el cedrón, la menta y el romero, en pequeñas canciones de ensueño minimalista.

“Herbario es un disco de la pandemia -reflexiona-. Fue como una balsa a la cual me subí y me llevó a casa. Una de las cosas que me sostuvo durante ese tiempo fue concentrarme en lo que tenía y en cosas más inmanentes, como mis plantas. El jardín de mi casa es muy lindo, crece salvajemente, es tupido. Así que me puse a pensar en qué plantas me gustan más. En líneas generales me gustan todas, o casi todas. Las palmeras no, hay algo con las plantas tropicales, una exuberancia, que a veces me agobia. Por eso me gustan las más modestas, las más pequeñas”.

Las plantas son frecuentes protagonistas de los títulos de los discos y canciones de Durand desde sus inicios, junto con los nombres de pequeños animales, insectos, montañas, estanques y paisajes propios de mitos fantásticos y cuentos infantiles. La literatura es otro de sus más grandes intereses; durante años, mientras vivía en Muñiz, estudió antropología y enseñó literatura en algunas escuelas de la provincia de Buenos Aires.

El entrerriano Juan L. Ortiz y el alemán Friedrich Hölderlin son los primeros referentes que nombra al pensar en los poetas que lo acompañaron y, a su manera, inspiraron su sensibilidad desde adolescente. Siglos y continentes separan a Juan L. y Hölderlin, pero no sería una comparación remota señalar que ambos escritores comparten una búsqueda por retratar lo bello en la naturaleza, por encontrar una hermosura en lo frágil y perecedero. Muchos de sus poemas, así como gran parte del repertorio de Durand, construyen escenas que duran un instante, como un sentimiento fugaz o un atardecer, y al mismo tiempo revelan algo trascendental.

“Herbario me pareció que era un jardín que se podía compartir -concluye Durand-. No soy jardinero, pero hago canciones. La música es la forma que tengo de hacer florecer algo”.

Con sus más de diez años de carrera, Durand se ha consolidado como uno de los músicos más respetables en su género, y un referente esencial dentro de la incipiente escena de música ambient en Argentina. Sin embargo, el artista es reticente a identificar un progreso lineal en su discografía, o a pensar en una evolución en sus habilidades. Si bien se puede escuchar una transición de las guitarras acústicas y los pianos que caracterizaron sus inicios hacia los sintetizadores envolventes de sus discos más recientes, esta sería solo una distinción técnica. No hay una transformación perceptible entre su último disco y el primero: la música de Durand es un movimiento en cámara lenta, una sucesión de instantes de eternidad.

“Creo que hay un esplendor en la sencillez -dice el artista sobre su estilo-. Como un haiku que dice todo en tan pocas palabras. ¿Qué te regala un haiku? Una sensación, cuenta un camino, abre algo. No hay ninguna moraleja, ni siquiera hay un yo a pesar de que a veces puede haber una primera persona. Hay un vacío, una inclinación benevolente. Te cuenta algo, que había un estanque, había una rana, y cuando saltó hizo ‘plop’. Pero ese sonido te queda resonando por siempre. Ahí se abren unas puertas que en definitiva apuntan al misterio de todos los misterios: ¿qué diablos es todo esto? Yo estoy acá, hablando con vos, pero esto en realidad es un gran sueño que estamos compartiendo. Y ahí aparece la libertad, no hay nada definitivo. Estamos construyendo sobre el vacío: mundos, sociedades, teléfonos, lenguaje, sistema. Pero todo esto podría ser completamente diferente. Entonces, esa rana saltando te pone los pies no en el más allá sino en el más acá. Es maravilloso. Y la música opera ahí, es una forma de despertar la conciencia”.

¿Cómo mantenés esa simpleza a la hora de componer?
No compongo en el sentido hermenéutico de tener una idea y seguirla, sino que son cosas que voy encontrando. No podría hacerlo de otra manera, yo hago la música que me sale. Y no es nada loable, es una limitación, es lo que sé hacer. Nunca tuve mucho interés en estudiar música, más allá del estudio particular y de indagar en la práctica. Disfruto muchísimo de tocar porque es un espacio de inmensa libertad, hago lo que quiero.

Tu música suele ser descrita como lo-fi, frágil y delicada, en relación a los métodos de grabación que usás…
En mi casa tengo varios bordados. Me gustan mucho, mi mujer es ilustradora y gracias a ella conocí a muchos artistas que hacen bordado. Pero a mí me gusta mirar la parte de atrás de los bordados. A lo prístino le huyo un poco, me gusta más que se noten las costuras. Más allá de que mi música está grabada con cassettes o con lo que fuere, no trato de ocultar esas imperfecciones. En un punto son mis límites, como músico y como persona que se graba, así que no tengo problema con eso.

Muchas de tus canciones provienen de grabaciones de una sola toma. ¿Qué tanto editás de esas improvisaciones?
Mi amiga Cecilia [Alfonso Esteves], que es ilustradora, siempre dice que uno tiene que tender a lo que tiende. Si uno tiende a lo prístino y ultra arreglado está bien, pero si uno tiende a otra cosa también está bien. Las herramientas con las que uno hace música son con las que uno se comunica. Es tu sonido, es el sonido que lográs. Un riesgo de sobreproducir la música es la pérdida de personalidad. Me interesa más tener un sonido malo entre comillas, pero personal, que un sonido prístino e impersonal. Hay algo en la rusticidad, en esas costuras, que está lleno de vida, que está por fuera de la voluntad.

¿Notás una progresión en tus discos más recientes?
En mi discografía no hay una evolución formal muy importante. Es como que estoy todo el tiempo tratando de indagar en lo mismo. Y conforme van pasando los años voy encontrando la forma de hacerlo más depurado, de simplificarlo aún más. Ahora construyo música con menos elementos y eso es algo que me da mucha felicidad.

Te estás sintetizando cada vez más…
Yo creo que sí. Terminaré con muy pocas notas o en el silencio.

Federico Durand se presenta el viernes 9 de septiembre a las 21 h en Artlab Studio (Roseti 93, CABA) junto a Guillermo Ueno en el marco del festival Mutek, entradas disponibles a través de Passline. Escuchá Herbario en plataformas de streaming (Bandcamp, Spotify, Tidal, Apple Music).

Minamo & Asuna “Tail of Diffraction”

glittering hybrids of acoustic and electronic sound.
CD / Digital.

Giuseppe Ielasi “The Prospect”

Work for solo guitar.
CD/Digital out now.

Pjusk “Salt og Vind”

With Salt og Vind Pjusk retums from an eight year album hiatus. This release is also the first seeing Pjusk as a solo project consisting of Jostein Dahl Gjelsvik. Salt og Vind (Salt and Wind) is, not surprisingly, about the forces of nature and the contrast between the volatile and the existing. In a wider sense it is about man’s inability or struggle to grasp the eternal and instead seek temporary fulfillment.

CD / DIGITAL AVAILABLE NOW.

Tomasz Bednarczyk “Windy Weather Always Makes Me Think Of You”

Tomasz Bednarczyk makes a long-awaited return to 12k after his 2009 debut Let’s Make Better Mistakes Tomorrow (12k1055, 2009) and a couple of follow-up releases on Australia’s Room40. On Windy Weather Always Makes Me Think Of You Bednarczyk has collected sounds via a smartphone dictaphone and Sony field recorder over the past 10 years with a goal to transform all gathered recordings into new, multilayered harmonies. Field recordings come from voyages around the globe and originally consisted of melodies interwoven by multilayered sounds of the environment.

CD / DIGITAL NOW AVAILABLE

Arovane “Reihen”

12k welcomes its newest member to the family… Arovane, with his explorations into emotion and dust.

Please note: we are at the mercy of vinyl manufacturing which, as you’re probably aware, is backed up for months. We were supposed to get the LPs this month but it may extend into next year. We will ship the vinyl orders as soon as we have it. In the meantime enjoy the digital release.

vinyl will be available in the UK via Juno and Norman Records, and throughout EU via A-Musik.

PRE ORDER ON BANDCAMP.

Seaworthy & Matt Rösner “Snowmelt”

The Australian duo of Seaworthy and Matt Rösner are back with a haunting sonic journey through the Kosciuszko National Park.

Available on vinyl and digital formats, November 19th.

Please note: we are at the mercy of vinyl manufacturing which, as you’re probably aware, is backed up for months. We were supposed to get the LPs this month but it may extend into next year. We will ship the vinyl orders as soon as we have it. In the meantime enjoy the digital release.

vinyl will be available in the UK via Juno and Norman Records, and throughout EU via A-Musik.

PRE ORDER ON BANDCAMP.

Shuttle358 “Frame”

For the first time on vinyl, this 20-year anniversary 2 X LP edition sees new mixes from Shuttle358’s Dan Abrams and a D-side of previously unreleased material from the era.

INFO HERE.

Marcus Fischer “Monocoastal”

For the first time on vinyl, the 10th anniversary edition of Marcus Fischer’s classic album is now available.

INFO HERE.